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Ricciotto Canudo afirma, en su manifiesto El nacimiento del Séptimo Arte, que el cinematógrafo da lugar a una nueva forma de expresión artística que aglutina todas las demás artes.
"Necesitamos el cine para crear el arte total al que, desde siempre, han tendido todas las artes."
Ricciotto Canudo
Con el cine nace el arte total, la plástica del movimiento, el alma de la modernidad, reuniendo y conciliando la dimensión plástica de la arquitectura, la escultura y la pintura y la dimensión rítmica de la música, la danza y la poesía.
En este apartado queremos evidenciar las correspondencias que se establecen entre las diferentes formas de expresión artística.
La literatura en el cine
El lenguaje audiovisual hereda muchas formas y maneras del lenguaje literario, la misma base desde la que parte cualquier producción audiovisual es literaria: el guión. Incluso para abordar el análisis de cualquier obra audiovisual se toman prestados esquemas y procedimientos del comentario de texto.
Seminarios realizados:
Philip K. Dick, una mirada en el otro yo
Joseph Conrad, el modernista que vino del mar
El talento de Mrs. Highsmith
La musica en el cine
La música ya estaba presente en los acompañamientos orquestales de las proyecciones que tenían lugar en el cine mudo, particularmente desde que Max Linder se percatara de la influencia que un estilo de música concreto ejercía sobre la audiencia. También en la alusión que se hacía en los títulos de algunas obras de carácter rítmico visual, como fueron las sinfonías urbanas. Con la llegada del sonoro, nace un nuevo género en el que la música tendrá total protagonismo: el musical.
Poco a poco, determinados cineastas experimentarán con la idea de que la música pueda prevalecer sobre la imagen, tal es el caso de Sergei M Eisenstein y su Alexander Nevsky (1938) o la arriesgada propuesta de Walt Disney con Fantasia (1940, James Algar, Samuel Armstrong, Ford Beebe, Norman Ferguson, Jim Handley, T. Hee, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Bill Roberts, Paul Satterfield y Ben Sharpsteen).
Pero tendrá que llegar un nuevo medio, la televisión, y un nuevo soporte, el vídeo, para que la música prevalezca sobre la imagen en un nuevo formato como es el videoclip.
Seminarios realizados:
Siete maneras de escuchar Adagio for strings de Samuel Barber
Cine atonal o cómo contar una historia sólo con música
Jazz en el cine
La arquitectura en el cine
Entre las decisiones que debe tomar un guionista cuando comienza a escribir una historia está la decisión de ubicar a los personajes en un lugar concreto: ¿Barcelona o Sevilla? ¿Orihuela o Vigo? ¿Una aldea en el monte o una villa costera? ¿España o Canadá? La determinación del lugar marca psicológica y culturalmente a los personajes.
Una vez decidido el lugar, el diseñador de producción y su equipo de directores artísticos y decoradores deben decidir un enclave, un espacio, un edificio o construcción en el que debe desarrollarse la acción. Es más, una vez decidido el sitio, la distribución del espacio, los colores, los acabados, los materiales, la distribución de los volúmenes, etc., etc., acaban de matizar los aspectos psicológicos de los personajes, proporcionando su trasfondo económico y social; exactamente igual que un arquitecto diseña un edificio en función de su uso específico teniendo en cuenta si es una obra social o privada, edificios de viviendas o urbanizaciones, fábricas o centros comerciales, etc., etc.
"Las relaciones entre la arquitectura y el cine se van a estudiar desde dos puntos de vista.
Primero desde el cine hacia la arquitectura, es decir la arquitectura que se hace en, o para, el cine
y que ha quedado para siempre impresionada en las películas. El segundo punto de vista es simétrico, desde la arquitectura hacia el cine, intentando explicar cómo influye el séptimo arte
en la arquitectura construida o en las concepciones arquitectónicas de los profesionales."
Jorge Gorostiza
Seminarios realizados:
Ciudades de cine: Lisboa, la ciudad dorada
Arqitectura y cine
La pintura en el cine
Evolución natural de una disciplina que trata de captar la realidad en un lienzo, la pintura ha sido siempre inspiración para los directores de fotografía, más cuando pensamos en los precedentes que tratan la reproducción gráfica del movimiento en un mundo estático como el ejemplar de jabalí de ocho patas de las Cuevas de Altamira, los pintores futuristas italianos o los aucas que se desarrollan durante el siglo XIX, precedentes a su vez del actual cómic.
Al igual que en la arquitectura se produce una correspondencia simétrica, la pintura influye en los cineastas cuyas obras, a su vez, inspiran a los pintores contemporáneos.
Numerosos son también los casos de cineastas que comienzan su andadura artística portando un pincel que intercambian por la cámara cuando sienten la necesidad de capturar el movimiento.
Seminarios realizados:
De la paleta de colores a la escaleta de secuencias
Por sus créditos le conoceréis: Saul Bass, el hombre del brazo de oro
El teatro en el cine
En teatro sirve de fuente de inspiración en los orígenes del cinematógrafo. Las primeras aproximaciones del pionero francés, Georges Méliès, ven el cine como una prolongación del teatro, lo que explica que se limiten a retratar la acción que sucede en un escenario en el que se mueven sus personajes ante unos decorados pintados, ubicando la cámara en lo que sería la platea del teatro.
La primera escuela cinematográfica, la Film d’Art, se inspia en conocidas obras de teatro que se adaptan al medio cinematográfico. Actrices consagradas, como Sandra Bernhardt, actuan ante las cámaras en lo que se concibe como un sucedáneo del teatro, transformando aquellas películas en poco más que teatro filmado.
La conquista del espacio llega a través de una productora italiana influida por la escuela francesa, Itala Film, que en el filme dirigido por Giovanni Pastrone en 1914, Cabiria, utiliza vez por primera y de una manera sistemática el denominado carrello, germen del actual travelling, ideado por el español Segundo de Chomón.
Dos años después, David W. Griffith, influido directamente por la cinta italiana, termina por asentar las bases del lenguaje cinematográfico en su Intolerancia (Intolerance, 1916), en la que haría un uso categórico y maduro de las acciones en paralelo, el desplazamiento de los puntos de vista dentro de una misma escena y dividiendo el filme en secuencias, en vez de las anteriores escenas o cuadros teatrales.
Tendrá que llegar el movimiento de vanguardia alemán inspirado en el teatro de Max Reinhardt, Kammeraspielfilm, para subir un peldaño más con El último (Der letzte Mann, 1924), dirigida por F. W. Murnau, quien con la inestimable colaboración del operador Karl Freund, desarrolla a través de travellings subjetivos, travellings circulares y movimientos de grúa, la que se denominará en la época: cámara desencadenada.
Y será también Karl Freund, en Varieté (1925, E. A. Dupont), con su notable uso del encuadre subjetivo y el uso sistemático de la alternancia pendular plano-contraplano de dos actores dialogando, quien romperá las últimas ligaduras del cine con el teatro.
Seminarios realizados:
Shakespeare en el parque
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Correspondencias
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